OSWALDO VITERI- PINTOR

Pintor y escultor ecuatoriano, nacido en Ambato, provincia de Tungurahua, Ecuador, en 1931.

Artista neofigurativo, ampliamente reconocido por su trabajo de ensamblajes, aunque su obra abarca también la pintura, el dibujo, los grabados y los mosaicos.

Comenzó su educación como estudiante de Arquitectura en la Universidad Central del Ecuador, en Quito, en 1951. Colaboró en el taller de Oswaldo Guayasamín, a quien ayudó en 1959 en el encargo de un mural para el Ministerio de Obras Públicas.

Durante la década de 1960, se centró en la pintura y estudió Antropología y Folklore.

En 1966, se graduó en Arquitectura y fue nombrado director del Instituto Ecuatoriano de Folklore.

Comenzó a explorar técnicas de arte experimental incorporando a sus obras el collage y colocando objetos superpuestos a sus lienzos. Realizó sus primeros ensamblajes en 1968, comenzando a mostrar sus obras en exposiciones internacionales en la década de 1960, siendo incluido en las bienales celebradas en 1964, en Córdoba (Argentina), y en 1969, en São Paulo, en las que recibió sendas menciones honoríficas.

Su trabajó tomó una vertiente más escultórica durante los años 70, como reflejan sus múltiples series de ensamblajes en los que utiliza muñecas de trapo y material de desecho.

Muchas de sus obras se encuentran en algunos de los museos y galerías más prestigiosos del mundo, entre las que podemos destacar la galería Uffizi, que cuenta con un autorretrato.

Ha resultado nombrado candidato en dos ocasiones al Premio Príncipe de Asturias de las Artes.



OSWALDO VITERI. De la serie: Los Desastres de la Guerra



METROPOLIS

La película esta se desarrolla en una megalópolis del “futuro” probablemente en aquel entonces pensando en el siglo XXI donde los obreros viven en una ciudad subterránea donde se encuentra el corazón industrial con la prohibición de salir al mundo exterior, donde solo personas con poder económico podían disfrutar del arduo trabajo de estos obreros, estas personas formaban el otro grupo social los Capitalistas, encabezados por un hombre llamado Fredersen, estos viven en la superficie, y tienen todos los lujos y comodidades a su alcance.

 Una mujer llamada María está preocupada y defiende la causa de los trabajadores. Pero en lugar de incitar a una revuelta, trata de convencer a los trabajadores a buscar una salida pacífica y tener paciencia, esperando la llegada del Mediador, que unirá ambas mitades de la sociedad.

 Ahora, también Metrópolis plantea la confrontación entre clases sociales a través de una crítica al capitalismo y a sus consecuencias alienantes. La situación que se plantea, llevada a los extremos, será repetida posteriormente hasta la saciedad por el cine de ciencia-ficción con tintes políticos.

 Otro gran tema que trata el film es la amenaza que puede suponer la tecnología en un futuro utópico. En ese futuro utópico las máquinas están al servicio del ser humano, pero al mismo tiempo, los humanos son esclavos de las máquinas y trabajan para ellas. Para mí el subsuelo en la película es un símbolo del infierno, como una cárcel, llena de peligrosos artefactos, en la que el propio Freder se ve atrapado. Sin embargo, la aparente armonía se rompe cuando las máquinas se rebelan contra aquellos que las crearon y tratan de buscar su perdición. Cuando el científico construye el androide Futura, dotándole de inteligencia artificial, en realidad está jugando a ser Dios. Como resultado de este soberbio e imprudente acto la tecnología toma conciencia de sí misma y pretende destruir a sus competidores humanos. El mensaje que lanza en este sentido tiene unas implicaciones éticas muy claras: hay que tener cuidado con el desarrollo tecnológico.

 No cuesta demasiado comprender el porqué del mensaje si se atiende al contexto histórico. Estamos en 1920 aproximadamente, en el período de entreguerras, la sociedad occidental ha perdido la fe en sí misma y en el desarrollo tecnológico.

                        

 Metropolis  trata además de forma paralela y ambigua el tema religioso. No hay planteamientos claros, pero María ejerce la función de profeta y Freder la del elegido, una especie del Mesías libertador. Finalmente la profecía parece cumplirse, por lo que el Destino o la Providencia se muestran como un camino inexorable del que no se puede escapar. Pero en METRÓPOLIS el destino sigue extraños y enrevesados caminos, no comprensibles al entendimiento humano. Parece que, para que una nueva ciudad más justa y libre pudiera ser levantada, era necesario arrasar los cimientos de la antigua ciudad.

 Por lo tanto para mi esta película METRÓPOLIS es, en una película de culto no porque sea una película vieja rodada hace años, sino porque su estética y las ideas que explora van a marcar de forma definitiva la estética de todo el género de ciencia-ficción. Aunque METRÓPOLIS, como ya lo he mencionado, no es simplemente una película de ciencia-ficción, ya que trata importantes cuestiones sociales, arquitectónicas, éticas y tecnológicas, que si bien no se resuelven convincentemente, tienen el indudable mérito de ser planteadas utópicamente.

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: Otro Cielo no esperes, ni otro Infierno

SEGUNDO HEMISEMESTRE


"EL HOY FUGAZ ES TERNUE Y ES ESTERNO; OTRO CIELO NO ESPERES, NO OTRO INFIERNO" 

Jorge Luis Borges

El Instante

En esta exposición se pudo apreciar distintas fotos en las cuales mostraba algunos rituales que se realiza en la iglesia católica en los días de la Semana Santa.



PLANOS DE LA FOTOGRAFÍA:

El señor que esta con la cruz esta en plano medio medio

Los cucuruchos estan en plano lejanisimo

DEAMBULACIONES:

El niño que esta a la derecha del señor, esta en una deambulación de picada.

La señora que esta a la izquierda del señor, esta en una deambulación contrapicada o contraextremo.

CUCURUCHOS

La procesión de Jesús del Gran Poder lleva este nombre en honor a la imagen que se encuentra a cargo de la comunidad franciscana. Este Cristo padeciente es el símbolo mayor de la procesión y solamente el Viernes Santo, la imagen sale de la iglesia de San Francisco, en el centro histórico de Quito. Los fieles ecuatorianos expían sus pecados y demuestran su fe con penitencias como caminar descalzos, de rodillas, latigándose o llevando coronas de espinas.

Los cucuruchos son gente penitente, que – vestidos de lila y cubiertos sus rostros – acompañan en la procesión a la imagen de Jesús del Gran Poder, quienes al participar en el recorrido de dolor del Hijo de Dios, desean expiar sus pecados.

El traje utilizado por los cucuruchos en Quito tiene una larga trayectoria. Su origen se remonta a los primeros trajes de peregrinos utilizados en Europa, hacia el siglo IX, cuando recorrían los lugares sagrados del centro europeo y, sobre todo, a partir del siglo XI, cuando visitaban los lugares santos en Medio Oriente. Esta indumentaria estaba ligada a la utilizada en conventos y abadías. Luego fue el traje de peregrino establecido por la orden franciscana, a partir del siglo XII. Estos ropajes tuvieron amplísima difusión en toda Europa. En España se volvieron comunes, sobre todo en las peregrinaciones a Santiago en Compostela.

La vestimenta de cucurucho en Quito fue traída en el siglo XVI. La primera noticia de los trajes de penitentes es la mención que se hizo en la procesión de Jesús del Cristo Nazareno 1596, hoy conocida como procesión de Jesús del Gran Poder, cuya devoción nació hace 45 años. Los hombres van vestidos con una túnica morada, que les cubre todo su cuerpo y un bonete alto, al estilo de un cono para cubrir sus rostros, al típico estilo de un penitente. Las mujeres conocidas como verónicas llevan un traje negro. La vestimenta se la usa únicamente en la procesión penitencial del Viernes Santo, conmemoración del luto de la muerte de Jesús y recorre el centro histórico de Quito.

EDWAR MUNCH - PINTOR

Edvard Munch pintor y grabador, nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega. Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.

En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años mas tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. Christian Krohg, una figura importante en la redacción de la constitución de 1814 fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Oslo donde estableció relaciones con el circulo de literatos y artistas de Cristiania (antigua Oslo).

En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin, visita allí los Salones y el Louvre que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.

No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del publico lo aclamara con entusiasmo. En el año 1890 la influencia del Neoimpresionismo en sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe su segunda beca estatal. Un año mas tarde comenzó a desarrollar los motivos del “Friso de la vida” ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras más conocidas que en su conjunto pretenden dar una visión unitaria de la vida, dibuja ampliamente las memorias personales de Munch, incluyendo la devastadora pérdida de su madre, Laura Munch, y de su hermana favorita, Sophie.

Estuvo en 1892 viviendo en Alemania varios años, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París donde realizó numerosas exposiciones como la de Berlín la cual tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas dirigida por el gobierno conservador de Berlín. En 1893 entabla relaciones con la tertulia del “Cochinillo negro” lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta El grito una de las obras más importantes de Munch:

Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

Refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras. Entre 1894 y 1897 crea sus primeros aguafuertes mientras continua realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo con una de sus exposiciones con más éxito. Con el estudio de Tolouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard creó una serie de bocetos mediante una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o bien sobre tableros unidos con cola en el que no se trabajaba el fondo.

Tuvo una mala época como pintor ya que el gobierno nacionalsocialista confiscó 82 cuadros suyos de los museos alemanes. Sus pinturas fueron consideradas como “degeneradas”. La mayoría de sus cuadros plasmaban la muerte o temas que en aquella época resultaban muy polémicos.
En 1940 con la invasión del régimen Nazi a Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a sus visitantes. Munch no quería tener ningún tipo de relación con los invasores ya que le consideraban un demente.

La niña enferma, 1885-1886.En su primera obra maestra, Munch rememora, nueve años más tarde, la muerte de su hermana Sophie, cuando el artista tenía trece años.

Durante la segunda Guerra Mundia Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos de América, en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes, a pesar de su mal estado, en el que sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor.
El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como había vivido: completamente solo.
Tras su muerte Ekely dona a la cuidad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que obraba en su poder. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inaugura en 1960 el Munch-Museet.

“Igual que Leonardo Da Vinci estudió la anatomía humana y disecó cuerpos, yo intento disecar almas.”

“Lo que está arruinando el arte moderno es el comercio...Ya no se pinta por el deseo de pintar”

“La enfermedad, la locura y la muerte eran los ángeles negros que vigilaban mi cuna”

“La insistencia en la armonía y la belleza en el arte es una renuncia al ser honrado; sería falso mirar únicamente el lado agradable de la vida”.

Expresionismo.

El asesino, 1910.Una de las imágenes más inquietantes de la obra de Munch: un siniestro personaje, cuyos rasgos aparecen totalmente borrados.

El expresionismo: es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del siglo XX. Se entiende como una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner en evidencia, y se manifestó como una reacción parcial al impresionismo.

En los años 30 y 40 los Nazis etiquetaron su trabajo como "arte degenerado" y retiraron sus trabajos de los museos alemanes. Este hecho hirió profundamente a Munch, que se consideraba un antifascista y había llegado a apreciar Alemania como su segunda patria.

CORRIENTES ARTÍSTICAS DEL SIGLO XV AL SIGLO XVIII

CORRIENTES DE LA PINTURA

DADAÍSMO

La pintura de Cézanne abrió camino para las variadas experimentaciones estéticas que caracterizarían las vanguardias al inicio del Siglo XX.

El dadaísmo abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una reivindicación del nihilismo, contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. La particularidad de este movimiento radica en que no es un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.

MODERNISMO


                              

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas.Ya sea en el diseño de cubiertas de libros, a ilustraciones de revistas de todo tipo, afiches comerciales a paneles decorativos o el diseño de tipografía para imprenta a la confección de postales, el modernismo dejó su marca.

De todos los autores que pudieron hacer aportes a esta gran amplitud, uno de los más influyentes e imitado fue el checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como figura central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época.

EXPRESIONISMO

                                          

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

FAUVISMO

                         

                          Maurice Vlaminck, Restaurante de la
                                                Machine a Bougival.

El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.


CUBISMO

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahi en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.

El Modernismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante el final del siglo XIX y el primer cuarto del siglo XX.
Las primeras referencias que tenemos del Modernismo se producen en Inglaterra con los trabajos de John Ruskin (1819-1900), influenciado por el arte gótico, publicó una enorme cantidad de libros sobre literatura, pintura, arquitectura, escultura, estética y muchos otros sobre temas sociales. Su extraordinario gusto por cualquier tipo de arte, le llevaba a apreciar tanto a los pintores primitivos italianos como a los pre-rafaelitas ingleses como a Turner. Fue un gran propagandista del arte. Sus ideas se popularizaron a través de sus libros que influyeron en el movimiento Arts and Crafts que se caracteriza por un retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas, delicadas, de un suave encanto, en las que son frecuentes vegetales, flores, insectos, peces, sirenas, dragones y pájaros de colores y colas espectaculares. El Modernismo encontró su expresión en formas de arte bien distintas, en arquitectura por ejemplo, son frecuentes los exteriores en piedra, cerámica y profusión de hierro forjado, interiores con paredes curvas, muchas veces con una decoración exuberante. 
La escultura, la pintura y las artes gráficas, dan un nuevo impulso a la selección de temas y su representación.

Ruskin se interesa por el arte, pero además, también explica las consecuencias sociales y políticas del arte, arquitectura y literatura. Estas ideas tuvieron un gran difusión e influencia sobre el arte en Europa y América.