CREACIÓN DE VIDEOS A PARTIR DE IMAGENES

http://www.youtube.com/watch?v=QwdduwufW74

http://www.youtube.com/watch?v=4ypI_1wra20&feature=channel_video_title

Con las imagenes que el profesor daba se crearon los siguientes videos pincha en el link y los veras, el ultimo es el cortometraje final

III ENCUENTRO INTERNACIONAL DE POETAS EN ECUADOR

"Poesía en Paralelo Cero"

Este evento se realizó gracias al auspicio de la Casa de la Cultura Ecuatoriana, el Municipio del Distrito Metropolitano de Quito, el Gobierno de la Provincia de Pichincha, el Ministerio de Cultura, las Embajadas de España y México, entre otras entidades de Imbabura y Esmeraldas que se suman a las actividades que este año darán relevancia a la celebración de Quito como Capital Americana de la Cultura 2011.

El encuentro ha invitado a diez escritores extranjeros que se han distinguido por su gran calidad poética, por los premios que han recibido y por el reconocimiento de la crítica especializada, tanto de sus países de origen como de Hispanoamérica.

EVENTOS:

EL SEÑOR DE LOS CUENTOS 

HISTORIAS PERDIDAS DE LA MITAD DEL MUNDO

El jueves 19 mayo, a las 19h00, en la Salaq Bejamín Carrión de la Casa de la Cultura Ecuatoiana, se presentó el libro el Señor de los cuentos, de Fausto Ramos Romo. el comentario de la obra estaba a cargo del escritor Diego Velazco Andrade, coordinador de los talleres literarios de la CCE.

El señor de los cuentos, historias perdidas de la Mitadd del Mundo, son leyendas colectivas y persoales a la vaz, creadas y recreadas por el imaginario de los habitantes ecuatoriales y re-escritas por el talento y la investigacion sistematica de Fausto Ramos. en todas sus historias, el relato nace de una base tradicional y se organiza principalmente en el plano de anécdotas, como un encadenamiento de accionaes cotidianas, asumiendo un tono maravilloso.  

OSWALDO VITERI- PINTOR

Pintor y escultor ecuatoriano, nacido en Ambato, provincia de Tungurahua, Ecuador, en 1931.

Artista neofigurativo, ampliamente reconocido por su trabajo de ensamblajes, aunque su obra abarca también la pintura, el dibujo, los grabados y los mosaicos.

Comenzó su educación como estudiante de Arquitectura en la Universidad Central del Ecuador, en Quito, en 1951. Colaboró en el taller de Oswaldo Guayasamín, a quien ayudó en 1959 en el encargo de un mural para el Ministerio de Obras Públicas.

Durante la década de 1960, se centró en la pintura y estudió Antropología y Folklore.

En 1966, se graduó en Arquitectura y fue nombrado director del Instituto Ecuatoriano de Folklore.

Comenzó a explorar técnicas de arte experimental incorporando a sus obras el collage y colocando objetos superpuestos a sus lienzos. Realizó sus primeros ensamblajes en 1968, comenzando a mostrar sus obras en exposiciones internacionales en la década de 1960, siendo incluido en las bienales celebradas en 1964, en Córdoba (Argentina), y en 1969, en São Paulo, en las que recibió sendas menciones honoríficas.

Su trabajó tomó una vertiente más escultórica durante los años 70, como reflejan sus múltiples series de ensamblajes en los que utiliza muñecas de trapo y material de desecho.

Muchas de sus obras se encuentran en algunos de los museos y galerías más prestigiosos del mundo, entre las que podemos destacar la galería Uffizi, que cuenta con un autorretrato.

Ha resultado nombrado candidato en dos ocasiones al Premio Príncipe de Asturias de las Artes.



OSWALDO VITERI. De la serie: Los Desastres de la Guerra



METROPOLIS

La película esta se desarrolla en una megalópolis del “futuro” probablemente en aquel entonces pensando en el siglo XXI donde los obreros viven en una ciudad subterránea donde se encuentra el corazón industrial con la prohibición de salir al mundo exterior, donde solo personas con poder económico podían disfrutar del arduo trabajo de estos obreros, estas personas formaban el otro grupo social los Capitalistas, encabezados por un hombre llamado Fredersen, estos viven en la superficie, y tienen todos los lujos y comodidades a su alcance.

 Una mujer llamada María está preocupada y defiende la causa de los trabajadores. Pero en lugar de incitar a una revuelta, trata de convencer a los trabajadores a buscar una salida pacífica y tener paciencia, esperando la llegada del Mediador, que unirá ambas mitades de la sociedad.

 Ahora, también Metrópolis plantea la confrontación entre clases sociales a través de una crítica al capitalismo y a sus consecuencias alienantes. La situación que se plantea, llevada a los extremos, será repetida posteriormente hasta la saciedad por el cine de ciencia-ficción con tintes políticos.

 Otro gran tema que trata el film es la amenaza que puede suponer la tecnología en un futuro utópico. En ese futuro utópico las máquinas están al servicio del ser humano, pero al mismo tiempo, los humanos son esclavos de las máquinas y trabajan para ellas. Para mí el subsuelo en la película es un símbolo del infierno, como una cárcel, llena de peligrosos artefactos, en la que el propio Freder se ve atrapado. Sin embargo, la aparente armonía se rompe cuando las máquinas se rebelan contra aquellos que las crearon y tratan de buscar su perdición. Cuando el científico construye el androide Futura, dotándole de inteligencia artificial, en realidad está jugando a ser Dios. Como resultado de este soberbio e imprudente acto la tecnología toma conciencia de sí misma y pretende destruir a sus competidores humanos. El mensaje que lanza en este sentido tiene unas implicaciones éticas muy claras: hay que tener cuidado con el desarrollo tecnológico.

 No cuesta demasiado comprender el porqué del mensaje si se atiende al contexto histórico. Estamos en 1920 aproximadamente, en el período de entreguerras, la sociedad occidental ha perdido la fe en sí misma y en el desarrollo tecnológico.

                        

 Metropolis  trata además de forma paralela y ambigua el tema religioso. No hay planteamientos claros, pero María ejerce la función de profeta y Freder la del elegido, una especie del Mesías libertador. Finalmente la profecía parece cumplirse, por lo que el Destino o la Providencia se muestran como un camino inexorable del que no se puede escapar. Pero en METRÓPOLIS el destino sigue extraños y enrevesados caminos, no comprensibles al entendimiento humano. Parece que, para que una nueva ciudad más justa y libre pudiera ser levantada, era necesario arrasar los cimientos de la antigua ciudad.

 Por lo tanto para mi esta película METRÓPOLIS es, en una película de culto no porque sea una película vieja rodada hace años, sino porque su estética y las ideas que explora van a marcar de forma definitiva la estética de todo el género de ciencia-ficción. Aunque METRÓPOLIS, como ya lo he mencionado, no es simplemente una película de ciencia-ficción, ya que trata importantes cuestiones sociales, arquitectónicas, éticas y tecnológicas, que si bien no se resuelven convincentemente, tienen el indudable mérito de ser planteadas utópicamente.

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: Otro Cielo no esperes, ni otro Infierno

SEGUNDO HEMISEMESTRE


"EL HOY FUGAZ ES TERNUE Y ES ESTERNO; OTRO CIELO NO ESPERES, NO OTRO INFIERNO" 

Jorge Luis Borges

El Instante

En esta exposición se pudo apreciar distintas fotos en las cuales mostraba algunos rituales que se realiza en la iglesia católica en los días de la Semana Santa.



PLANOS DE LA FOTOGRAFÍA:

El señor que esta con la cruz esta en plano medio medio

Los cucuruchos estan en plano lejanisimo

DEAMBULACIONES:

El niño que esta a la derecha del señor, esta en una deambulación de picada.

La señora que esta a la izquierda del señor, esta en una deambulación contrapicada o contraextremo.

CUCURUCHOS

La procesión de Jesús del Gran Poder lleva este nombre en honor a la imagen que se encuentra a cargo de la comunidad franciscana. Este Cristo padeciente es el símbolo mayor de la procesión y solamente el Viernes Santo, la imagen sale de la iglesia de San Francisco, en el centro histórico de Quito. Los fieles ecuatorianos expían sus pecados y demuestran su fe con penitencias como caminar descalzos, de rodillas, latigándose o llevando coronas de espinas.

Los cucuruchos son gente penitente, que – vestidos de lila y cubiertos sus rostros – acompañan en la procesión a la imagen de Jesús del Gran Poder, quienes al participar en el recorrido de dolor del Hijo de Dios, desean expiar sus pecados.

El traje utilizado por los cucuruchos en Quito tiene una larga trayectoria. Su origen se remonta a los primeros trajes de peregrinos utilizados en Europa, hacia el siglo IX, cuando recorrían los lugares sagrados del centro europeo y, sobre todo, a partir del siglo XI, cuando visitaban los lugares santos en Medio Oriente. Esta indumentaria estaba ligada a la utilizada en conventos y abadías. Luego fue el traje de peregrino establecido por la orden franciscana, a partir del siglo XII. Estos ropajes tuvieron amplísima difusión en toda Europa. En España se volvieron comunes, sobre todo en las peregrinaciones a Santiago en Compostela.

La vestimenta de cucurucho en Quito fue traída en el siglo XVI. La primera noticia de los trajes de penitentes es la mención que se hizo en la procesión de Jesús del Cristo Nazareno 1596, hoy conocida como procesión de Jesús del Gran Poder, cuya devoción nació hace 45 años. Los hombres van vestidos con una túnica morada, que les cubre todo su cuerpo y un bonete alto, al estilo de un cono para cubrir sus rostros, al típico estilo de un penitente. Las mujeres conocidas como verónicas llevan un traje negro. La vestimenta se la usa únicamente en la procesión penitencial del Viernes Santo, conmemoración del luto de la muerte de Jesús y recorre el centro histórico de Quito.

EDWAR MUNCH - PINTOR

Edvard Munch pintor y grabador, nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega. Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.

En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años mas tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. Christian Krohg, una figura importante en la redacción de la constitución de 1814 fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Oslo donde estableció relaciones con el circulo de literatos y artistas de Cristiania (antigua Oslo).

En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin, visita allí los Salones y el Louvre que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.

No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del publico lo aclamara con entusiasmo. En el año 1890 la influencia del Neoimpresionismo en sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe su segunda beca estatal. Un año mas tarde comenzó a desarrollar los motivos del “Friso de la vida” ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras más conocidas que en su conjunto pretenden dar una visión unitaria de la vida, dibuja ampliamente las memorias personales de Munch, incluyendo la devastadora pérdida de su madre, Laura Munch, y de su hermana favorita, Sophie.

Estuvo en 1892 viviendo en Alemania varios años, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París donde realizó numerosas exposiciones como la de Berlín la cual tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas dirigida por el gobierno conservador de Berlín. En 1893 entabla relaciones con la tertulia del “Cochinillo negro” lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta El grito una de las obras más importantes de Munch:

Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

Refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras. Entre 1894 y 1897 crea sus primeros aguafuertes mientras continua realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo con una de sus exposiciones con más éxito. Con el estudio de Tolouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard creó una serie de bocetos mediante una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o bien sobre tableros unidos con cola en el que no se trabajaba el fondo.

Tuvo una mala época como pintor ya que el gobierno nacionalsocialista confiscó 82 cuadros suyos de los museos alemanes. Sus pinturas fueron consideradas como “degeneradas”. La mayoría de sus cuadros plasmaban la muerte o temas que en aquella época resultaban muy polémicos.
En 1940 con la invasión del régimen Nazi a Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a sus visitantes. Munch no quería tener ningún tipo de relación con los invasores ya que le consideraban un demente.

La niña enferma, 1885-1886.En su primera obra maestra, Munch rememora, nueve años más tarde, la muerte de su hermana Sophie, cuando el artista tenía trece años.

Durante la segunda Guerra Mundia Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos de América, en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes, a pesar de su mal estado, en el que sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor.
El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como había vivido: completamente solo.
Tras su muerte Ekely dona a la cuidad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que obraba en su poder. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inaugura en 1960 el Munch-Museet.

“Igual que Leonardo Da Vinci estudió la anatomía humana y disecó cuerpos, yo intento disecar almas.”

“Lo que está arruinando el arte moderno es el comercio...Ya no se pinta por el deseo de pintar”

“La enfermedad, la locura y la muerte eran los ángeles negros que vigilaban mi cuna”

“La insistencia en la armonía y la belleza en el arte es una renuncia al ser honrado; sería falso mirar únicamente el lado agradable de la vida”.

Expresionismo.

El asesino, 1910.Una de las imágenes más inquietantes de la obra de Munch: un siniestro personaje, cuyos rasgos aparecen totalmente borrados.

El expresionismo: es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del siglo XX. Se entiende como una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner en evidencia, y se manifestó como una reacción parcial al impresionismo.

En los años 30 y 40 los Nazis etiquetaron su trabajo como "arte degenerado" y retiraron sus trabajos de los museos alemanes. Este hecho hirió profundamente a Munch, que se consideraba un antifascista y había llegado a apreciar Alemania como su segunda patria.

CORRIENTES ARTÍSTICAS DEL SIGLO XV AL SIGLO XVIII

CORRIENTES DE LA PINTURA

DADAÍSMO

La pintura de Cézanne abrió camino para las variadas experimentaciones estéticas que caracterizarían las vanguardias al inicio del Siglo XX.

El dadaísmo abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una reivindicación del nihilismo, contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. La particularidad de este movimiento radica en que no es un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.

MODERNISMO


                              

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas.Ya sea en el diseño de cubiertas de libros, a ilustraciones de revistas de todo tipo, afiches comerciales a paneles decorativos o el diseño de tipografía para imprenta a la confección de postales, el modernismo dejó su marca.

De todos los autores que pudieron hacer aportes a esta gran amplitud, uno de los más influyentes e imitado fue el checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como figura central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época.

EXPRESIONISMO

                                          

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

FAUVISMO

                         

                          Maurice Vlaminck, Restaurante de la
                                                Machine a Bougival.

El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.


CUBISMO

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahi en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.

El Modernismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante el final del siglo XIX y el primer cuarto del siglo XX.
Las primeras referencias que tenemos del Modernismo se producen en Inglaterra con los trabajos de John Ruskin (1819-1900), influenciado por el arte gótico, publicó una enorme cantidad de libros sobre literatura, pintura, arquitectura, escultura, estética y muchos otros sobre temas sociales. Su extraordinario gusto por cualquier tipo de arte, le llevaba a apreciar tanto a los pintores primitivos italianos como a los pre-rafaelitas ingleses como a Turner. Fue un gran propagandista del arte. Sus ideas se popularizaron a través de sus libros que influyeron en el movimiento Arts and Crafts que se caracteriza por un retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas, delicadas, de un suave encanto, en las que son frecuentes vegetales, flores, insectos, peces, sirenas, dragones y pájaros de colores y colas espectaculares. El Modernismo encontró su expresión en formas de arte bien distintas, en arquitectura por ejemplo, son frecuentes los exteriores en piedra, cerámica y profusión de hierro forjado, interiores con paredes curvas, muchas veces con una decoración exuberante. 
La escultura, la pintura y las artes gráficas, dan un nuevo impulso a la selección de temas y su representación.

Ruskin se interesa por el arte, pero además, también explica las consecuencias sociales y políticas del arte, arquitectura y literatura. Estas ideas tuvieron un gran difusión e influencia sobre el arte en Europa y América.

TENDENCIAS ARTÍSTICAS

Jeff Koons: Michael Jackson and Bubbles, 1988

1988. Michael Jackson está sentado, rodeado de flores doradas, vestido con ropas doradas, y abraza a su mascota, un chimpnacé de nombre Bubbles. Los espectadores, desconcertados y boquiabiertos, caminan a su alrededor. No saben si hay que reírse, si hay que horrorizarse o si simplemente hay que admirar un inocente homenaje al genio.

Esta escultura de porcelana creada por Jeff Koons  formaba parte de una serie que convirtió al artista (por entonces sólo conocido por otros artistas) en una celebridad. La serie, llamada Banalidad, lo elevó a la fama que había perseguido durante casi toda la década de los ochenta. Koons se mudó de Pennsylvania a Nueva York, donde se ganó la vida con actividades diversas, entre otras la de vendedor. Mientras tanto, presentaba una muestra de sus obras, que eran aspiradoras hogareñas colocadas en vitrinas iluminadas.

BIOGRAFÍA: PILAR BUSTOS

Pilar Bustos, Quito, 1945
Dibujante y muralista
Estudios: Escuela de Artes de Cubanacan-Cuba.
Premios: 1965 Premio Adquisición y Premio Ingreso a la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba.
1966 Primer Premio, realización Mural, Ciudad Sandino, Cuba.
1967 Segundo Premio, Mural Parque Universitario, La Habana.
1980 Mención Concurso Internacional de Dibujo y Poesía sobre la Danza, Universidad Autónoma, México.

Ella es un lienzo desbordado de historia. En la decada de los sesenta fue testigo de los primeros albores de la revolución Cubana y en los setenta de la caida del chileno Salvador Allende. De regreso a aQuito, dibujó blue jeans para una agencia publicitaria. Fue por sobrevivencia, pero tambien por catarsis. Quería olvidar el latigo de la dictadura militar. Pasaron ocho años para que Pilar se reconciliara con susu pinceles y rapidógrafos.

Como trazando la línea delgada de un cielo donde está su padre a quien nunca conoció, por su temprana orfandad, Pilar Bustos se estremece en esa mitad de lápiz y de carboncillo para desnudar el dibujo y sus silencios.

Ecuatoriana, matriz, en ese encuentro con sus manos que se hacen fecundidad expresiva, emitiendo del misterio del color la profundidad anímica y del alma.

La piel y un fondo blanco

Es su aventura sobre la simple hoja o lienzo, en tanto desde Cuba su Escuela de Artes de Cubacanan, en 1965, le sigue facturando el recuerdo y sus evocaciones que constituyen escenas prístinas de sus caballos en abigarrada libertad, sus levísimas y cortadas líneas y solo la sombra de la imaginación se va fragmentando en el cuadro.

El desnudo es una línea como si la piel solamente fuera un fondo blanco, una mancha intocada, sensual en un juego mórbido, en una relación de gestos y movimientos aéreos.

Líneas del cuerpo, elementales, apenas frontera entre el dibujo y la forma austera y expresiva, Pilar Bustos se muraliza en los rostros sin ojos, algo perceptibles en la pedigüeña mano, en las reminiscencias que hacen que la artista conquiste sus vuelos sin sombra de sus líneas.

Secretos etéreos

Solo la luz blanca, adormecida en los cuerpos desnudos, que a veces se quiebran y se incompletan, hace que el abrazo sea entre líneas.

Y están los secretos etéreos. ¿Desde qué romántico acomodo de pincel y lápiz, Pilar Bustos hizo el ademán de posturas amatorias en un sinónimo de creación?

El galeote de su imaginación le navegó a delimitar lo sugestivo en esa economía de puntos donde el hombre es la transfiguración a algo que es inevitable: una línea de polvo que sale de los huesos que esperan otra vez enlazar la línea de la vida, en una clausura de soplo, sí, pero en la obviedad de magnificar su grandeza terrena.

La línea de la vida

   

El ser conmovido, anónimo, renacido, gestado en el trazo de Pilar Bustos, es la síntesis del vértigo: caemos cada día cuando trazamos la línea de la vida.

                                                                 



LA METANARRATIVA, METARRELATO O MACRORRELATO

Una metanarrativa, metarrelato o macrorelato (o, también en plural grandes narrativas) es, en el contexto de la teoría crítica y el posmodernismo, "un esquema de cultura narrativa global o totalizador que organiza y explica conocimientos y experiencias”, según explica Stephens. El prefijo meta significa “más allá”, y una narrativa es una historia. La metanarrativa será, por tanto, una historia más allá de la historia, que es capaz de abarcar otros "pequeños relatos" en su interior, dentro de esquemas abarcadores, totalizadores, trascendentes o universalizadores.

Según el planteamiento crítico de la metanarrativa propuesto por Lyotard los metarrelatos son asumidos como discursos totalizantes y multiabarcadores, en los que se asume la comprensión de hechos de carácter científico, histórico y social de forma absolutista, pretendiendo dar respuesta y solución a toda contingencia.

Un ejemplo recurrente, que remite constantemente a este sistema de interpretación sistematizado y totalizante, es el propuesto por Hegel.

La ciencia occidental, nemotécnica, taxonomista, empirista y utilitaria, que ha asumido una supuesta soberanía en torno a su razón, pretendidamente neutra, rigurosa y universal, es otro claro ejemplo de Metarrelato, que incluso podría definirse como un meta-metarrelato que involucra a su vez metarrelatos particulares que contemplan el mundo y las esencias de las cosas desde posiciones independientes, ofreciendo sorprendentes soluciones a los interminables problemas humanos, y que para la actualidad ha caído en total crisis, e incluso en varios sectores intelectuales es identificada como uno más de los mitos modernos.

Sin embargo, es necesario subrayarlo, el uso de calificativos de la "ciencia occidental" que se hace en el párrafo anterior, basándose de manera exclusiva en el enfoque crítico de Lyotard evidencia la aplicación de consideraciones provenientes de una metanarrativa y por lo tanto se contradice a sí mismo al intentar crear una visión absolutista, sistematizada y totalizante como trascendente y universalizadora de toda metanarrativa.

En el análisis de Lyotard de la condición postmoderna ha sido criticado por ser internamente inconsistente. Por ejemplo, pensadores como Alex Callinicos y Jürgen Habermas  argumentan que la descripción de Lyotard del mundo postmoderno como contenedor de una "incredulidad hacia la metanarrativas" puede ser visto como una narrativa por sí mismo.

METONIMIA

La metonimia (griego: μετ-ονομαζειν met-onomazein [metonomadz͡ein], nombrar allende, es decir, dar o poner un nuevo nombre), o transnominación, es un fenómeno de cambio semántico por el cual se designa una cosa o idea con el nombre de otra, sirviéndose de alguna relación semántica existente entre ambas.

Son casos frecuentes las relaciones semánticas del tipo causa-efecto, de sucesión o de tiempo o de todoparte.

La metonimia es una figura retórica que consiste en transferir el significado de  una palabra o frase a otra palabra o frase que significa otra cosa, en virtud de que entre ellas hay una relación de contigüidad o cercanía lógica o semántica, es decir, de significado. O sea, que aunque se trate de dos palabras o frases con significados distintos, entre estos existe un tipo de relación que posibilita la transferencia. Cuando decimos «tu teléfono» por «tu número de teléfono» transferimos a la palabra «teléfono» el significado de «número de teléfono», y ello es posible porque, en este caso específico, hay una relación de cercanía lógica entre el sustantivo «teléfono» y su correspondiente «número», relación que permite transferir el significado de un vocablo al otro. Esto es tan evidente, que si alguien nos dice «Dame tu teléfono», jamás entenderemos que nos pide que le digamos, por ejemplo, cuál es la marca de nuestro aparato telefónico o el nombre de la compañía que nos presta el servicio.

Aunque es una figura retórica, muy útil en la poesía, la metonimia es de uso común y corriente en el lenguaje habitual, sea culto o popular. Lo que pasa es que casi siempre la gente emplea sin saberlo o sin darse cuenta.

El tipo de relación que debe existir entre los términos metonímicos es muy variado. Los siguientes son algunos de las más frecuentes:

1) Se toma la «causa» por el «efecto»: «Las plantas buscan el sol», en lugar de «Las plantas buscan la luz solar». El significado de «luz solar» se transfiere a «sol», que es su causa.

 2) El efecto por la causa: «Murió de un paro cardíaco». Se sobrentiende que el «paro cardíaco» fue el «efecto» de una enfermedad o lesión grave, la verdadera «causa» de la muerte.

 3) La materia por el objeto que está hecho de ella: «En el concierto de anoche sobresalieron los metales», en lugar de «los instrumentos de metal».

 4) El objeto por la materia de que está hecho: «Los muebles están carcomidos», en lugar de «la madera de los muebles».

 5) El continente por el contenido: «Regáleme un vaso de agua», en vez de «Regáleme un poco de agua» (cuando pedimos «un vaso de agua», no pedimos «el vaso», sino «el agua contenida en el vaso»).

 6) El contenido por el continente: «el alacrán le clavó la ponzoña», en vez de «el alacrán le clavó el aguijón». Lo importante no es que le hayan «clavado el aguijón» (continente), sino que le hayan inoculado «la ponzoña» (contenido), lo cual hace el alacrán a través del «aguijón».

7) Lo abstracto por lo concreto: «La belleza venezolana es famosa en el mundo», en lugar de «La belleza de la mujer venezolana...». La «belleza» es algo abstracto, lo concreto es la «mujer bella».

8) Lo concreto por lo abstracto: «Ese muchacho tiene muy buena cabeza», en lugar de «...tiene inteligencia y sensatez». «Inteligencia» y «sensatez» son objetos abstractos: «cabeza» es un objeto concreto.

 9) El instrumento por la persona que lo utiliza: «El es muy buen volante», en lugar de «Maneja muy bien el automóvil».

10) El autor por la obra: «En mi casa tengo un Reverón», en vez de «un cuadro de Reverón».

11) El lugar de procedencia de un objeto, por éste: «Prefiero un Rioja tinto», en lugar de «un vino tinto de Rioja».

Mucha gente no entiende el mecanismo de la metonimia, a pesar de que con frecuencia la usan sin saberlo, porque creen que el idioma es un sistema cerrado, mecánico, rígido, cuando es lo contrario, un sistema sumamente vivaz, dinámico y eminentemente creador. Todas las personas, o casi todas, tratan siempre, a veces inconscientemente, pero con toda validez, de decir las cosas de manera distinta de lo acostumbrado y rutinario, y eso hace que el idioma se desarrolle y enriquezca su eficacia expresiva y comunicativa. La metonimia, lo mismo que la metáfora y todas las demás figuras retóricas, son recursos de gran importancia de ese impulso creador, y ayudan enormemente a darle expresividad y belleza al lenguaje.

TEOREMA TEXTUAL

Umberto Eco plantea que cualquier texto consta de dos componentes: la información que proporciona el autor y la que añade el Lector Modelo. Un texto sólo resulta ganador y "bien hecho" en la medida en que funciona como una máquina que apunta a crearle dificultades al lector.

 Para mostrar la aplicación de cómo se lee un metatexto, Eco hace un ejercicio de interpretación a un texto de Alphonse Allais: Un drama bien parisiense. Allais incita al lector a rellenar el texto con informaciones que contradicen a la fábula y lo obliga a cooperar en la construcción de una historia que no sostiene.

EL METARELATO

La metatextualidad es, según la definición del narratólogo Gérard Genette en su obra Palimpsestos, y dentro del campo más general de la intertextualidad, la "relación crítica que tiene un texto con otro". Esto es, la relación que un texto tiene con los que ataca o censura; por ejemplo, la relación que tienen algunas partes del Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes con los libros de caballerías, el teatro de Lope de Vega o la novela pastoril de su época.

MITO DE DE MANCO CÁPAC Y MAMA OCLLO

El Mito de Manco Cápac y Mama Ocllo

También conocida como la Leyenda del Lago Titicaca, fue relatada por vez primera por el cronista mestizo Inca Garcilaso de la Vega, en su obra Los Comentarios Reales:

El Sol, viendo el estado penoso de los hombres, creó una pareja: Manco Cápac el varón y Mama Ocllo, su esposa y hermana; les colocó un cetro de oro, y les ordenó ir por el mundo para civilizar a los pobladores. Les encargó fundar un reino, e implantar en él el culto al Sol.

Manco Cápac y Mama Ocllo salieron de las espumas del Lago Titicaca en la Isla del Sol (Bolivia), y avanzaron hacia el norte. El cetro de oro les serviría para encontrar el lugar ideal para la fundación del Imperio, pues en él se hundiría el bastón hasta desaparecer.

Después de un largo recorrido, el cetro se hundió en el cerro Huanacauri. Manco Capac y Mama Ocllo se establecieron allí. Ambos ayudaron a mejorar el lugar; enseñaron a los hombres a trabajar la tierra y a construir canales. A las mujeres Mama Ocllo les enseñó a coser, cocinar y hacer telares.

EL MITO

La palabra "mito" deriva del griego mythos, que signfica "palabra" o "historia". Un mito, tendrá un significado diferente para el creyente, para el antropólogo, o para el filólogo. Esa es precisamente una de las funciones del mito: consagrar la ambigüedad y la contradicción. Un mito no tiene por qué transmitir un mensaje único, claro y coherente.

Un mito (relato falso con sentido oculto, narración, discurso, palabra emotiva) se refiere a un relato que tiene una explicación o simbología muy profunda para una cultura en el cual se presenta una explicación divina del origen, existencia y desarrollo de una civilización.

En este contexto, puede considerarse a un mito como un tipo de creencia establecida, habitualmente a través de varias generaciones, con relación a ciertos hechos improbables y sorprendentes que, de acuerdo al mito, han sucedido en la realidad, los cuales no son posibles de ser verificados de manera objetiva. Pero incluso los hechos históricos pueden servir como mitos si son importantes para una cultura determinada.

Clases de mitos

Se distinguen varias clases de mitos:

1. Mitos teogónicos: Relatan el origen y la historia de los dioses. Por ejemplo, Atenea surgiendo armada de la cabeza de Zeus. A veces, en las sociedades de tipo arcaico, los dioses no son preexistentes al hombre. Por el contrario, frecuentemente los hombres pueden transformarse en cosas, en animales y en dioses. Los dioses no siempre son tratados con respeto: están muy cercanos a los hombres y pueden ser héroes o víctimas de aventuras parecidas a las de los hombres.
2. Mitos cosmogónicos: Intentan explicar la creación del mundo. Son los más universalmente extendidos y de los que existe mayor cantidad. A menudo, la tierra, se considera como originada de un océano primigenio. A veces, una raza de gigantes, como los titanes, desempeña una función determinante en esta creación; en este caso tales gigantes, que son semidioses, constituyen la primera población de la tierra. Por su parte, el hombre puede ser creado a partir de cualquier materia, guijarro o puñado de tierra, a partir de un animal, de una planta o de un árbol. Los dioses le enseñan a vivir sobre la tierra.
3. Mitos etiológicos: Explican el origen de los seres y de las cosas; intentan dar una explicación a las peculiaridades del presente. No constituyen forzosamente un conjunto coherente y a veces toman la apariencia de fábulas.
4. Mitos escatológicos: Son los que intentan explicar el futuro, el fin del mundo; actualmente, en nuestras sociedades aún tienen amplia audiencia. Estos mitos comprenden dos clases principales: los del fin del mundo por el agua, o por el fuego. A menudo tienen un origen astrológico. La inminencia del fin se anuncia por una mayor frecuencia de eclipses, terremotos, y toda clase de catástrofes naturales inexplicables, y que aterrorizan a los humanos.
5. Mitos morales: Aparecen en casi todas las sociedades: lucha del bien y del mal, ángeles y demonio, etc. En definitiva, los inventos y las técnicas particularmente importantes para un grupo social dado se hallan sacralizadas en un mito. Los ritos periódicos contribuyen a asegurar su perennidad y constituyen de esta forma una especie de seguro para los hombres. Las fiestas a que dan lugar son para los hombres ocasión de comunicarse con las fuerzas sobrenaturales y de asegurarse su benevolencia.